Recentemente, tive a oportunidade de assistir ao mais brilhante novo musical em Nova York. Surpreendentemente, não se trata de uma produção renomada da Broadway, nem mesmo de um teatro tradicional. O espetáculo acontece em um bar e espaço de performances chamado AsylumNYC, que realmente vive à altura do seu nome.
Slam Frank, cuja temporada de desenvolvimento começou em 17 de setembro e termina em 26 de outubro, é uma reinterpretação da história de Anne Frank que nos provoca a refletir: e se seu diário fosse inclusivo? E se abordássemos a falta de representação queer naquele sótão? E se finalmente contássemos a história do Holocausto de uma forma que honrasse todas as pessoas, e não apenas os brancos que sempre estiveram no centro dela?
Em outras palavras, é como se alguém decidisse criar um musical sobre Anne Frank que fosse adequado para a década de 2020.
A repercussão de Slam Frank na cena cultural
O resultado tem sido um sucesso. Com a maioria do público ouvindo falar do musical através do boca a boca, e um orçamento de publicidade mensal inferior a 60 dólares, Slam Frank já esgotou 28 de suas 34 apresentações, conforme informado pelo agente de imprensa do show.
Um dos fatores que contribuíram para esse sucesso pode ser o contexto cultural atual nos EUA. Desde a eleição de Donald Trump, uma piosidade reativa em relação à “woke culture” se enraizou nas instituições culturais do país, especialmente no teatro. Muitas companhias de teatro significativas nos EUA continuam a se desculpar pela chegada dos europeus ao solo americano e a fazer declarações formais de sua própria consciência social. Recentemente, muitas apresentações têm soado mais como santificações do que como subversões reais.
No entanto, Slam Frank demonstra que a verdadeira originalidade ainda existe no teatro musical. Inspirado por um comentário no Twitter de 2022, que afirmava que “sim, Anne Frank tinha privilégios brancos”, o musical reinventa Anne como “Anita” — uma pansexual latina escondida dos nazistas em um sótão radicalmente inclusivo com sua mãe negra militante, seu pai neurodiverso e outras personalidades variadas.
Personagens e dilemas no novo musical
Esses personagens não apenas conseguem escapar dos nazistas, mas também desempenham seu papel na resistência contra os sistemas de opressão. Um exemplo é a personagem inspirada em Auguste van Pels, que finalmente se ergue contra seu marido e começa a lutar contra o patriarcado, proclamando: “Se tivéssemos Eva Braun ao invés de Hitler, não haveria genocídio!”
Para Peter, o interesse amoroso de Anita, o verdadeiro desafio não é fugir dos nazistas; é ousar viver sua verdadeira identidade. Antes de se assumir como não-binário, ele lamenta para Anita: “Lá fora, eles estão lutando em uma guerra, mas aqui dentro, estou lutando contra as expectativas!”
Pode parecer que tudo isso é um enredo fraco para uma noite de teatro. Contudo, os 110 minutos sem intervalo de Slam Frank são constantemente hilários — e frequentemente chocam o público que enche regularmente o espaço de 150 lugares. Quando a plateia irrompe em aplausos e gritos, surge a dúvida: eles estão entendendo a piada ou estão encarando essa nova adaptação de forma literal? Após assistir ao espetáculo duas vezes, suspeito que seja uma combinação de ambas as coisas. Alex Lewis, que interpreta Peter, menciona que o show apela a públicos de todas as vertentes políticas — “desde o centro-esquerda até a extrema-esquerda e tudo que está no meio”.
Marketing e controvérsias em Slam Frank
É um testemunho da equipe criativa por trás desse sonho febril que eles conseguiram encantar as mesmas pessoas que parecem ridicularizar. Andrew Fox, o compositor na casa dos trinta anos que escreveu a trilha sonora que satiriza Hamilton, contribuiu com letras tão afiadas quanto as de Lin-Manuel Miranda, enquanto o roteiro engenhoso foi escrito pelo roteirista e artista visual Joel Sinensky, e a direção inspirada ficou a cargo de Sam LaFrage, diretor artístico de uma companhia de teatro infantil temática LGBTQ.
Os criadores de Slam Frank até marcaram o show com uma página no Instagram que zomba da linguagem da “wokeness”, com um post questionando quantos dos seis milhões de judeus assassinados no Holocausto “nunca tiveram a alegria da euforia de gênero”. Desde seu primeiro post, que deixou alguns usuários confusos com a imagem de Anne Frank como uma DJ, a conta acumulou quase 90 mil seguidores.
Não se pode dizer que Slam Frank não tenha gerado controvérsias, já que alguns críticos o consideram ofensivo. Mais cedo este ano, a blogueira de notícias da Broadway Joy Rosenthal lançou uma petição no Change.org exigindo o cancelamento do musical por “trivializar” o Holocausto, que acumulou mais de 600 assinaturas, embora a própria Joy nunca tenha assistido ao espetáculo.
Como judia, não considero o musical ofensivo, pois o verdadeiro alvo do show não são os judeus (ou nazistas, para o caso) e, sim, as políticas performativas que passaram a infiltrar a vida cultural. Desde a gafe inicial de Slam Frank — um reconhecimento de terras em homenagem a “quem quer que seja” que estava “aqui antes” — até o número final, a obra critica a tendência, comum em teatros, de reduzir a identidade das pessoas a rótulos e confundir platitudes com profundidade.
Talvez seja por isso que nenhuma companhia de teatro participou do desenvolvimento de Slam Frank. A produção é uma parceria entre os criadores do show e uma organização chamada Stagetime NYC, descrita por seu chefe de comunicações como “uma companhia que trabalha principalmente com fantoches e stripteasers”.
Isso tudo me lembra de tempos em que o teatro era chocante, surpreendente e sem medo de correr riscos. Como The Book of Mormon, que se tornou um sucesso em 2011, Slam Frank critica a absurdidade do tribalismo ao mesmo tempo em que defende nossa humanidade comum. E está atraindo plateias mais de uma década depois.
Eu adoraria acreditar que Slam Frank poderia se tornar um grande sucesso como Mormon e eventualmente salvar a Broadway. Mas se isso parece uma expectativa exagerada, talvez ele possa, ao menos, ajudar a salvar a América.
